Goldener Fenchel
Knospen wiegen hoch am Stiel
Nektar für die Welt

Zen-Kunst im allgemeinen weist auf die Verbundenheit der Dinge hin und kann vertiefte spirituelle Einsichten erzeugen. Diese künstlerische Ästhetik steht für Einfachheit, Natürlichkeit und ist ursprünglich inspiriert von der Schönheit und Vergänglichkeit der Natur. Zen-Fotografie kombiniert mit der japanischen Haiku Gedichtskunst wendet diese Gestaltungsprinzipien auf das Medium Fotografie an. Den flüchtigen Moment festzuhalten in teils minimalistischer Form, naturnah, abstrakt oder mit dem Spiel von Schärfe / Unschärfe mit Verwischungen. In letzterem liegt dann immer eine leichte Melancholie, Poesie oder Verträumtheit.

Sommer auf dem Teich
Froschbiss treibt, die Rose glänzt
Zur Ruhe finden

Im Ursprung ist ein Haiku eine traditionelle japanische Gedichtform, die sich im Ausdrücken durch ihre Einfachheit, Kürze und Klarheit auszeichnet. Im Haiku schwingt die Seele der Natur und des Augenblickes und zeigt dabei auch die Vergänglichkeit von Natur und Jahreszeiten. Es tauchte erstmals im 17. Jahrhundert in der japanischen Literatur auf, wurde aber erst im 19. Jahrhundert unter diesem Namen bekannt. Als einer der bekanntesten Haiku-Dichter gilt Matsuo Bashō.

Grauer Stein auf Stein
Moos webt grünes Band der Zeit
Stille hält den Glauben

Ein typisches japanisches Haiku besteht aus drei Zeilen mit einer Silbenstruktur von 5-7-5. Wichtig ist auch zu beachten, dass Silben im Japanischen anders sind als im Deutschen. In Japan werden diese „Mora” oder Mehrzahl „Moren“ genannt und haben eine ganz andere Länge als die Silben, die wir kennen. Mittlerweile werden bei uns 10-18 deutsche Silben benutzt. Haiku müssen sich nicht reimen, können es aber und werden im Präsenz / Gegenwart geschrieben. Es soll genau jetzt den beschriebenen Augenblick und Moment darstellen oder wiedergeben. 

Winterdämmerung
Tunnel führt durch das Schweigen
Schnee schluckt jeden Schritt

Viele traditionelle Haiku beinhalten ein „Kigo“, ein Wort oder Ausdruck, der eine bestimmte Jahreszeit, die Natur oder Witterungen dazu andeutet. Tiere spielen ebenso eine wichtige Rolle als Symbole ( z.B. Frosch, Kranich, Libelle, Schmetterling ). Auch können sie Gefühle wie Freude, Trauer oder Sehnsüchte oder Ungesagtes, offenes transportieren.

Königliche Pracht
Streu Rosen über die Zeit
Duft erfüllt den Tag

Toter Baum im Licht
Spiegelt sich im stillen Nass
Auch die Gedanken?

Eiskalte Stille
Rauhreif umgibt die zarte Feder
Schönheit ohne Dauer

Purpur in der Luft
Witwenblume lockt im Wind
Bienen tanzen froh

Rost ist der Verfall
Stille frisst die Form des Seins
Zeitlos, ohne Eile

Stumme Silhouetten
Gegen das verblasste Licht
Gedanken wandern

Still fließt der Moment
Zeit verzeiht, was gestern war
Seele atmet auf

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Als die Fotografie erfunden wurde, ca. 1839 Daguerreotypie von Louis Daguerre, waren mit den damals verfügbaren Materialien alle Fotos nur monochrom. Schwarz-Weiß war dann bis in die Mitte des 20. Jahrhunderts der fotografische Standard. Schwarz, Weiß und die Grautöne gelten in der allgemeinen Farbenlehre als unbunte Farben, da sie keine wahrnehmbare Farbsättigung oder Farbtoninformation besitzen. Die Wirkung eines Schwarz-Weiß-Fotos basiert also nur auf Schwarz, Weiß und deren Abstufungen, den Grautönen. 
Wenn also keine Farben vorhanden sind, den Betrachter nicht ablenken, dann rücken Licht und Schatten, Kontraste, Linien, Strukturen und Formen in den Blickpunkt. Linien leiten das Auge, Kontraste schaffen Dramatik, Spannung und Emotionen. Niedriger Kontrast lässt alles weich, sanft oder mystischer erscheinen. Strukturen und Formen werden sichtbarer und die Intensität der Bildaussage richtet sich auf den Moment oder bestimmte Bildelemente. Alles wirkt visuell klarer, kraftvoller, zeitloser und es entsteht eine tiefere emotionalere Wirkung als bei Farbfotos. Das macht die Schwarz-Weiß-Fotografie zu einer einzigartigen stilvollen Ausdrucksform und erinnert an die früheren klassischen Reportagen.

Zu den berühmtesten zeitgenössischen Schwarz-Weiß-Fotografinnen und Fotografen gehörten Ansel Adams, Diane Arbus, Don McCullin, Dorothea Lange, Elliot Erwitt, Helmut Newton, Henri Cartier-Bresson, Peter Lindbergh und Sebastião Salgado. Sie fotografierten vor allem mit einer besonderen Lichtführung, Komposition und zeigten alltägliche Szenen, Landschaften und ihre Portraits waren mit emotionaler Tiefe, die ohne Worte auskamen.

Eine kleine Auswahl meiner Schwarz-Weiß-Fotos – es waren bewegende Momente, in denen sie entstanden sind.

Es gibt verschiedene Möglichkeiten für die Erstellung von Schwarz-Weiß-Fotos. Direkt monochrom fotografieren oder in Farbe und dann in Bildprogrammen, RAW-Konvertern oder mit Filtern umwandeln in monochrome Fotos. Auch die Nachbearbeitung am Computer spielt dabei eine entscheidende Rolle, denn sie ermöglicht es den Kontrast zu optimieren, die Tonwerte zu verbessern und eine eigene intensivere Bildinformation einzuarbeiten. In manchen Aufnahmesituationen sind Schwarz-Weiß-Fotos sogar die bessere Wahl, gerade bei schlechtem Wetter, bei zu starken Kontrasten wegen der Sonneneinstrahlung oder diffusem Licht. Fotos, die in Farbe eher trist erscheinen, können in Schwarz-Weiß eine ganz eigene, stimmungsvolle Atmosphäre und Dramatik bekommen.
Schwarz-Weiß kann Emotionen und Geschichten auf eine eigene intensive Weise erzählen und wird häufig im Fotojournalismus, der Porträt- und Landschaftsfotografie, aber auch bei Street Fotografie eingesetzt. 

WENN MAN MENSCHEN IN FARBE FOTOGRAFIERT, FOTOGRAFIERT MAN IHRE KLEIDUNG.
FOTOGRAFIERT MAN SIE ABER IN SCHWARZ-WEISS, FOTOGRAFIERT MAN IHRE SEELE!

Ted Grant ( kanadischer Fotograf )

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Haustüren üben eine ganz eigene Faszination aus durch ihre individuelle Form und Gestaltung und jeden Tag gehen wir durch viele hindurch. An der Tür begegnen sich die Menschen und ist am Haus ein Eingang oder Übergang in das Unbekannte und erzeugen Neugierde, auf das, was sich dahinter befindet. 

„ES STECKT EINE GEWISSE ART VON VOYEURISMUS DAHINTER, WENN MAN SICH FRAGT, WAS SICH HINTER EINER TÜR ODER EINEM FENSTER VERBIRGT“

Erin Barnett ( International Photography Center New York )

Die bemalten Türen in der Altstadt von Funchal auf der Insel Madeira haben ihre eigenen Geschichten. Die Zona Velha/ Altstadt war das einstige Viertel der Handwerker und Fischer. Die Gassen wurden vernachlässigt und der Putz brökelte von den Fassaden. 2010 / 2011 haben sich portugiesische Künstler zusammengetan, um den zunehmenden Verfall der alten Gassen und Häuser entgegenzuwirken und ihnen neues Leben einzuhauchen.
Es entstand das Projekt “Projecto artE pORtas abErtas” – Kunst der offenen Türen. Es wurden ca. 200 Haustüren und Tore mit kreativen Gemälden verziert und dadurch kamen weitere Künstler, Galeristen und Restaurants, die sich in den Gassen niederließen. Das alles zog und zieht natürlich viele Touristen an und die Hauptgasse Rua de Santa Maria mit noch anderen Nebengassen ist ein Open-Air-Kunstmuseum in der Altstadt von Funchal.

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Spontane Situationen im alltäglichen Leben aufnehmen, die scheinbar nebensächlich sind und doch im öffentlichen Raum oder Milieu das Leben und die Gesellschaft zeigen können. Fotos, die Geschichten erzählen, die Träume, Sehnsüchte, flüchtige oder magische Momente und Sorgen der Menschen sichtbar machen und das Leben im urbanen Raum authentisch und ungestellt widerspiegeln. Die Fotos können Emotionen auslösen und beim Betrachten die persönlichen Gedanken und Fantasien anregen. Natürlich ist es für uns Mitteleuropäer interessanter Fotos aus dem Ausland zu sehen, weil wir solche Momente und Situationen hier nicht kennen und sie faszinierender finden.

Der Mensch ist bei der Street Photography direkt oder indirekt Teil der Motive und ich begegne meinen Mitmenschen unterwegs stets mit Respekt, Anstand und Freundlichkeit. Der magische Moment oder die besondere Situation ist oft vorüber, wenn ich nachfrage, ob ich fotografieren darf. Daher fotografiere ich vorher oft mit Blickkontakt und frage dann nach und erkläre, was meine Aufmerksamkeit geweckt hat. Ein bewusster Augenkontakt vor der Aufnahme mit einem Lächeln und einem Zeigen der Kamera ist in den meisten Situationen oft auch ausreichend – jedenfalls ausserhalb Europas. 

Viele Fotografinnen und Fotografen fühlen sich bei der Vorstellung unwohl, fremde Menschen zu fotografieren. Darf man Menschen auf der Straße einfach so fotografieren und brauche ich ein Einverständnis? Im Bereich der Street Photography herrscht seit der DSGVO eine große Unsicherheit in Bezug auf das Recht. So ist es nicht immer klar, was man als Fotograf darf und worauf man in Deutschland und Europa gerade bei Street Photography achten muss. Gegenüberzustellen sind die Interessen der abgelichteten Person am Schutz seiner personenbezogenen Daten ( Recht am eigenen Bild ) und die Interessen des Fotografen im Rahmen seines Rechtes auf freie Meinungsäußerung, Kunst- und Informationsfreiheit ( Kunsturhebergesetz ). Bei der Gestaltung mit fotografischen Mitteln handelt es sich um freie schöpferische Gestaltungen und somit um Kunstwerke. Denn in Straßenfotografien werden Atmosphäre, Eindrücke, Erfahrungen und Erlebnisse des Fotografen durch das Medium der Fotografie zur Anschauung gebracht und unter Geltung der DSGVO im künstlerischen Kontext so Personen erkennbar zeigen dürfen, ohne dass eine Einwilligung vorliegen muss. Es kommt jedoch immer auf die konkreten Umstände des Einzelfalles an und das ist genau die Unsicherheit dabei. 

Die Mentalität und die Vorbehalte der Menschen in unserem Kulturraum machen die Street Photography daher nicht einfach, da es auch oft Hemmungen und Bedenken gibt. In Asien oder Teilen Afrikas ist es einfacher die Menschen zu fotografieren, sondern sogar oft ausdrücklich erwünscht. Für sie ist es etwas besonderes fotografiert zu werden und sie sind neugierig dann die Fotos in der Kamera zusehen. Bei meinen Besuchen bei indigenen Völkern hatte ich nie Probleme Menschen zu abzulichten. In muslimisch geprägten Ländern oder Orten sollte man unbedingt vorher nachfragen!.

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Ein Versuch von mir in diese experimentelle Fotografie einzusteigen ist dieses Foto der VR-Bank in Frankfurt am Main.

In der künstlerischen Fotografie oder Fotokunst gilt die Kamera als ein Medium, das Künstler*innen nutzen, um ein Kunstwerk zu erschaffen. Es gibt unterschiedliche Arten der Fotografie und auch verschiedene Stilrichtungen, wie die abstrakte Fotografie oder die Stillleben-Fotografie. Teilbereiche sind noch die experimentelle, die impressionistische und die surreale Fotografie.

Ziel dieser Kunstrichtung ist es, das Medium Foto als gestalterisches Ausdrucksmittel anzuwenden. Unabhängig davon, ob die Künstler*innen eine sozialkritische, ideologische, politische oder abstrakte Wirkung erzielen wollen. Die schöpferische Arbeit steht im Vordergrund. Im Allgemeinen kann bei der künstlerischen Fotografie das Foto auch als bildende Kunst verstehen. Nach dieser Definition geben Fotografien nicht unbedingt die Wirklichkeit wieder, sondern sind die Interpretation eines Momentes.

„FOTOGRAFIEREN IST EINFACH.
DOCH DIE FOTOGRAFIE IST EINE SEHR SCHWIERIGE KUNST“

Pontus Hulten

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Urban Art kombiniert Street Art, Graffiti mit urbanem Lebensstil und wird oft als Oberbegriff aller sichtbaren Kunstformen im öffentlichen und nichtöffentlichen Raum verwendet. Diese Definition entspricht der weit verbreiteten Verwendung des Begriffs durch Auktionshäuser und Galerien. Der entscheidende Faktor liegt dabei in der Kommerzialität. Galerien suchten nach Wegen, Werke der damals noch meist illegal auf der Straße arbeitenden Künstler in ihre Sammlungen aufzunehmen, auszustellen und kommerziell zu nutzen. Die vergangenen Jahre zeigen, dass die Arbeiten der bekannten Street Art und Graffiti Künstler eine konstante Wertsteigerung bei Auktionshäusern und Galerien erzielten und sich diese urbane Kunstszene rasant entwickelte und viele verschiedene Medien und Techniken, darunter Graffiti, Wandmalerei, Schablonenkunst, Sticker, Skulpturen und Aktionskunst hervor gebracht hat.

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